10 errores de producción musical a evitar
Se podría decir que no hay errores al producir música electrónica, siempre que suene bien. Sin embargo, al dar retroalimentación a otros productores y alumnos, me doy cuenta de las mismas cosas que no me gustan una y otra vez. Pensé en enumerar estos problemas en un artículo, para que se aseguren de no cometer estos “errores”. También voy a incluir técnicas para lidiar con estos problemas, lo que debería tener un gran impacto en el sonido de tus pistas. ¡Empecemos!
1. Sobreproducción
Diría que los errores más frecuentes que cometen los productores es producir sin una idea central sólida. Podría ser la armonía pegadiza o la batería increíble, el diseño de sonido excepcional o simplemente la vibra increíble de tu canción. Creo que deberías comenzar a hacer tu canción con un cierto enfoque que sea adecuado para el género que estás tratando de hacer. De lo contrario, terminarás apilando pistas y sobreproduciendo una idea débil.
Las mejores pistas a menudo están hechas de menos elementos de lo que piensas. De hecho, muy raramente hay más de 5 elementos centrales jugando a la vez en una pista. La estructura de pista más básica es un bombo, una tarola, un elemento de percusión, un bajo y un sonido principal. Sin embargo, con la posibilidad de agregar innumerables pistas nuevas en el DAW, puedes sentirte tentado a hacer demasiado.
Si sientes que tienes demasiadas pistas en tu proyecto, puede ser porque estás sobreproduciendo.
Me parece que el mejor enfoque es aprender a distinguir entre los diferentes elementos de la música electrónica y hacer tu música con un enfoque constante en estos elementos clave. De esta manera, incluso si vas a crear muchas pistas, podrás distinguir fácilmente el núcleo de lo que está sucediendo. Prefiero escuchar algunos elementos bien producidos que escuchar quince muestras de FX en un núcleo débil de la pista.
2. Perderse en las etapas avanzadas de producción.
¿Alguna vez has hecho algo genial, te has emocionado e intentado pulir esa idea, solo para descubrir que has estado usando un sintetizador en loop durante una hora? Es posible que hayas hecho que tu idea suene un poco mejor, pero aún está lejos de un arreglo de pista completo, y la emoción inicial se ha evaporado dejándote frustrado con una idea a medias.
Lo mismo ocurre con otros aspectos de la producción. Puedes perderte tratando de superponer samples, tratando de comprimir las percusiones o ajustando los niveles. Para evitar esta situación, mantén la calma cuando estés produciendo y no te entusiasmes con una buena idea. Cuando comiences una pista, concéntrese en cada elemento por un tiempo. Me parece que las mejores pistas se hacen como resultado de una serie de decisiones rápidas y buenas. Intenta limitarte también a movimientos rápidos solamente. Concéntrese en la pista como un todo, no intente hacer que cada movimiento sea súper preciso.
3. Quedarse atrapado en un loop
Todos hemos estado allí. Hiciste un loop genial, pero hay muy pocos elementos para una pista completa, y no tienes idea de en qué secciones debería consistir el arreglo. Hay dos cosas que puedes hacer.
Primero, debes conocer tu género. Esto significa que debe saber en qué secciones se compone una pista típica de su género y qué elementos se reproducen en cada una de ellas: recuerda, rara vez hay más de 5 a la vez. Para facilitar esto, puedes importar una pista de referencia en la disposición y mapear secciones usando marcadores de tiempo. En la mayoría de los géneros, copiar el orden de las secciones de otra pista no es pecado en absoluto.
Ahora necesitas más elementos para completar tu estructura. Es posible que necesites o no tener una progresión de acordes diferente, según el género que estés creando. Si la pista de referencia no es una gran montaña rusa, incluso puedes hacer bien haciendo pequeñas variaciones de los elementos del loop inicial y extendiéndolos a lo largo del arreglo. Sin embargo, los géneros modernos frecuentemente presentan nuevos elementos en cada nueva sección.
4. El BPM
Este es demasiado simple para equivocarse. ¡Pero no es fácil! Al comenzar una pista, puedes comenzar desde un tempo ‘predeterminado’, es decir, 128 BPM. A medida que produces, debes ajustar el tempo, pero creo que la mayoría de las veces se olvida. Los oídos se adaptan al tempo bastante rápido, incluso si está apagado. Al final de hacer una pista, siempre debes verificar si un tempo más rápido o más lento no mejora la pista. Es posible que desees tomar un descanso de la pista solo para refrescar los oídos. Muchas veces encuentro que mi pista es demasiado lenta y necesito acelerarla un poco.
5. La tonalidad
No es tan fácil como parece limitarse a una tonalidad. Cuantas más samples tonales y loops uses, más difícil se volverá, ya que los loops vienen en varias escalas. Es más fácil si el centro tonal se incluye en el nombre del sample, pero ese no es siempre el caso. Para combatir este problema, utilizo con frecuencia el efecto de audio Tuner para averiguar qué nota están reproduciendo las muestras. Se vuelve más complicado cuando las muestras incluyen múltiples elementos. En ese caso, aíslo las frecuencias con EQ antes de verificarlo con el tuner, o simplemente confío en mis oídos.
Sin embargo, no siempre es necesario hacerlo. Si algunas muestras provienen de tonalidades muy distantes, pueden sonar más interesantes sin transposición. Puede llevar mucho tiempo hacer coincidir los centros tonales de los samples correctamente y pueden sonar completamente diferentes cuando se lanzan.
Si tienes dificultades para mantener una tonalidad al escribir progresiones y melodías, ¡en Knob Studio tenemos el Diplomado en Composición para todos los niveles!
6. La armonía
Muy poca armonía y tu canción suena aburrida, demasiada armonía y es demasiado compleja. Es esencial saber cuánta armonía se necesita en cada género. Muy a menudo me encuentro con pistas, que tienen una disposición muy compleja, pero apenas hay elementos armónicos. Puede ser muy sutil y repetitivo, pero la armonía es necesaria para mantener al oyente interesado.
7. Diseño sonoro
Otra cosa que noto con frecuencia son los sintetizadores de sonido sordo. Esto se puede solucionar fácilmente utilizando OTT, EQ (aumentando los máximos) o la saturación. Ocurre especialmente cuando haces tus propios sintetizadores, los presets a menudo usan algún tipo de procesamiento y excitadores de armónicos. Un ejemplo clásico de sintetizadores que necesitan emoción son las futuras sierras de bajo. Estos monstruos generalmente usan capas de sintetizador armónico superior y OTT. Las pistas más brillantes también hacen que las pistas se perciban como más fuertes.
8. Estéreo
Todo el mundo sabe qué es el estéreo, pero usarlo correctamente no es de conocimiento común. Si bien la panorámica es bastante obvia, la mejora estéreo es un tema con muchos mitos flotando. La mayoría de los productores saben que el bajo debe mantenerse mono, pero incluso eso no es una regla general.
En primer lugar, se crea una imagen estéreo cuando hay una diferencia entre los canales izquierdo y derecho. Podría ser una diferencia en el tono (por ejemplo, cuando se usa unísono en un sintetizador) o en el tiempo (por ejemplo, cuando se usa delay o reverb). Las frecuencias más bajas la mayoría de las veces se mantienen mono, para que puedan reproducirse en subwoofers mono. Sin embargo, las frecuencias más altas pueden ser más amplias sin problemas. Algunos instrumentos pueden ser más anchos (pads, sintetizadores), mientras que otros pueden mantenerse en el centro (kicks, leads, voces)
Hacer algo mono es tan fácil como bajar la perilla estéreo en Utility. El ensanchamiento es más complicado, pero la técnica más fácil es usar el efecto Haas, que consiste en separar unos milisegundos la señal con un delay stereo.
9. Volumen y clipping
La guerra del volumen (loudness war) ha terminado por algún tiempo, pero aún veo productores limitando sus pistas como locos. La mayoría de los servicios de transmisión simplemente bajan el nivel de estos masters todo volumen. Como resultado, estas pistas no suenan más fuerte que otras pistas y son menos dinámicas debido al limitador. Al masterizar, mantén el volumen con moderación.
10. No usar herramientas de monitoreo
Al masterizar, debes confiar principalmente en tus oídos, pero las herramientas de monitoreo pueden ayudarte enormemente. Los medidores de volumen permiten medir no solo los niveles máximos del master, sino que también proporcionan un índice general de volumen. Los plugins de imagen estéreo permiten visualizar la imagen estéreo al compararla con las pistas de referencia. También puede resultar útil obtener una vista previa de su pista en formato MP3: Izotope Ozone le permite hacerlo utilizando la función de “códec”.
Texto por Javier de la Peza, productor y multiinstrumentista. Actualmente colaborador y profesor en Knob Studio. Conoce más sobre su trabajo en los siguientes links:
https://soundcloud.com/plantmx
