¿Estás listo para hacer mezclas increíbles?

Comenzaremos por aclarar la definición de mezcla:

“La mezcla de audio es el proceso mediante el cual se combinan múltiples sonidos en uno o más canales. En el proceso, el nivel de volumen de una fuente, el contenido de frecuencia, la dinámica y la posición panorámica se manipulan o mejoran. Además, efectos como la reverberación y el eco pueden se agrega. Este tratamiento práctico, estético o creativo se realiza para producir una versión final que sea atractiva para los oyentes “.

Mezclar es combinar varios sonidos en una sola fuente. Una buena mezcla es hacer esto y obtener un resultado equilibrado. Tanto en términos de volumen como de rango de frecuencia, de una manera que suena bien para el oyente (sin frecuencias de picos fuertes y resonantes, un bajo limpio y pesado, por ejemplo). Entra con lo bueno y sale con lo malo.

Mezclar puede ser complicado al comenzar pero, ¡no te desanimes!

Todos sabemos lo difícil que puede ser hacer que una mezcla suene bien y equilibrada, especialmente al principio. El bombo y bajo suenan demasiado delgados, la tarola suena cuadrada y la guitarra queda muy filosa y le quita espacio al pad de sintetizador que hiciste. Tu mezcla también puede sonar muy bidimensional y plana, con poco o ningún contraste en el espectro de frecuencia.

Quizás te preguntes si tu música va a sonar tan profesional como el artista que has estado escuchando. Sí se puede y sonará profesional si no te rindes. Conocer los fundamentos del sonido aplicados a  la mezcla y de forma musical es un gran comienzo.

Aprender a mezclar a nivel profesional lleva mucho tiempo, pero aquí hemos compilado una lista de los cinco mejores consejos para llevar tu mezcla de malo a bueno si los sigues. Esta lista también sirve como una hoja de ruta para la mezcla, que siempre será aplicable en tu producción musical y carrera de mezcla.

1. El proceso de mezcla comienza en el arreglo

Esto es muy importante, y algo que debo decir ante todo. Cada sonido que elijas para tu pista contiene sus frecuencias individuales. Esto puede ser obvio, pero en el proceso de producción y mezcla de música, es crucial pensar en un nivel más profundo. Cuando elegimos diferentes sonidos para nuestra pista, lo hacemos la mayor parte del tiempo por sus características de frecuencia, ya sea que lo sepamos o no.

Pintar el lienzo de frecuencia

Por ejemplo, elegimos un bombo porque contiene un golpe en las frecuencias más bajas, un clap de rango medio y Hi hat para el espectro más alto. Un bajo para ayudar al bombo en las frecuencias bajas o secundarias, una guitarra para medios y así sucesivamente.

En la imagen de abajo, verás el espectrograma de un sonido de sintetizador. Todas estas frecuencias, que van desde 20-20kHz  (algunas más que otras), juegan un papel vital en el equilibrio de tu mezcla.

Al crear melodías y acordes, una cosa importante para recordar es que las notas y octavas de su sonido cambiarán la respuesta de frecuencia del sonido.

Por ejemplo, un sonido de bajo reproducido en una octava muy alta tendrá poca o ninguna información de baja frecuencia. Donde pones las notas de tus sonidos importa en términos de mezcla, y el objetivo es hacer que suene equilibrado incluso antes de comenzar el proceso de mezcla.

¡Esta es la razón por la que te frustras!

No importa cuántos ajustes hagas en el ecualizador, compresor y trucos con el paneo, la mezcla todavía suena mal y no comprendes por qué. Crees que te has perdido algo o te falta algún plugin costoso.

Ese no suele ser el caso. Por lo general, has elegido los instrumentos / sonidos, melodías y acordes incorrectos e intentas obligarlos a cooperar con las técnicas de mezcla. Si tu arreglo suena mal sin ningún ecualizador / efecto activado, no sonará mucho mejor con él activado.

Entonces, hazlo bien desde el principio.

Cuando mezclas considera los siguientes puntos:

  • Piensa en ti mismo como un pintor de frecuencias.
  • Elige y distribuye cuidadosamente tus sonidos de manera uniforme en todo el espectro de frecuencias.
  • Muchos sonidos en el mismo rango de frecuencia harán que la mezcla suene mal y confusa.
  • Piensa en términos de “equilibrio” y separa o empalma sonidos según sea necesario.
  • No pulir un sonido chatarra, haz que suene increíble antes de mezclar.

2. Piensa en términos de “separación” o “layering”

Cuando trabajas con una gran variedad de sonidos en tu mezcla, quieres separarlos o ponerlos en capas.

Capas (layering):

La técnica que hacen muchos productores cuando crean bombo es un ejemplo fácil. Crean o samplean información de sub / baja frecuencia de una fuente, medios de otra y agudos de otra. Cuando ahora combina estos tres, tiene un rango de frecuencia distribuido uniformemente que forma un sonido. Un bombo / Kick.

Otro ejemplo es usar una parte de frecuencia más baja de un pad. Combinado con otro sonido que tiene información de frecuencia más alta y sin graves, trabajando juntos para crear un sonido completamente nuevo.

Las capas se utilizan para crear más complejidad y obtener un mejor control de la información de frecuencia en cada parte del sonido. También puedes crear contrastes divertidos en tu mezcla trabajando así. Si tienes teclados muy bajos y pesados ​​que se atascan constantemente en el fondo, un teclado o sonido diferente de octava más alta puede complementar esto maravillosamente y agregar contraste.

Cómo crear capas:

  • Highpass y lowpass filtran diferentes sonidos y los combinan.
  • Combina diferentes timbres con sonidos de distinto espectro sonoro.
  • Usa sonidos en diferentes octavas que contienen información de frecuencia diferente

Separación

La separación significa hacer que su sonido (o su capa de sonido) sobresalga del resto de los sonidos en una mezcla.

Cómo crear separación:

Por ejemplo, puedes tener un Pad detrás del instrumento principal, digamos una guitarra.

Supongamos que ambos están colocados de alguna manera en el centro y que tienen frecuencias similares. Para la separación, necesitas cortar las frecuencias que la guitarra principal domina desde el pad. De esa manera, la guitarra puede respirar por sí misma y se destacará del Pad.

Entonces, cuando haces música y cuando mezclas, piensa en los sonidos que quieres superponer y los sonidos que deseas separar del resto. Esto hará que sea mucho más fácil crear una mezcla bien definida.

3. Paneo

El Paneo también es una herramienta muy importante para crear separación y definición en la mezcla. Si todos tus sonidos se colocan en el punto central, la mezcla sonará muy plana y bidimensional. Espaciar los sonidos en el espectro estéreo es la clave para las mezclas de sonido profesional.

Centrado

En términos generales, los sonidos / instrumentos que desempeñarán un papel principal en su pista se colocan en el centro para un enfoque máximo. El bajo, el bombo y una tarola casi siempre se colocan en el punto central por la misma razón. Los sonidos pesados ​​de baja frecuencia brindan la mayor potencia colocada en el centro y es por eso que no se recomienda desplazar un bajo a los lados. La excepción a esta regla sería para una pista experimental.

Estos instrumentos / sonidos generalmente se colocan en el centro de la mezcla:

Bombo

Bajo

Tarola

Voz / sonido principal

La imagen estéreo es la diferencia entre izquierda y derecha, y medio y lateral. Puedescrearlo, por ejemplo, desplazando capas de instrumentos.

Ancho (dos canales)

Tomando dos tomas separadas de la misma guitarra rítmica, a la izquierda y a la derecha, obtendrás un sonido estéreo muy amplio. Esta técnica también se puede usar duplicando dos muestras / sonidos idénticos y separar uno de ellos solo un par de milisegundos (efecto Haas).

Para instrumentos de sonido similares que tocan de manera diferente, el panorama completo puede ser negativo y sonar un poco desenfocado. Panea en un 80-90% a la izquierda y a la derecha en lugar de realizar una panorámica completa, para una mejor mezcla.

Estos instrumentos / sonidos generalmente se colocan ampliamente en la mezcla:

  • Instrumentos rítmicos
  • Teclados rítmicos
  • Percusión enfocada en alta frecuencia, como shakers, panderos, cencerros
  • Voces de fondo para un efecto de tipo coro

15 izquierda o 15 derecha (y otra)

Siéntete libre de experimentar aquí, todo el espectro panorámico de izquierda a derecha es tuyo para colocar instrumentos. Recuerda, lo que estás tratando de lograr es un equilibrio. No debes colocar todos sus sonidos en el centro y hacia la izquierda, sin nada en el lado derecho para equilibrarlo. La panorámica en mono también es una gran ayuda para decidir dónde se debe colocar un sonido. No escucharás la panorámica estéreo en vivo en mono, pero escucharás mejor los problemas y los sonidos de choque. Realmente recomiendo esto.

Con los tambores, la forma típica de paneo es cuando se coloca un conjunto de batería. En una configuración de batería normal, el hi hat está situado a la izquierda y el Ride a la derecha. Los toms van de izquierda a derecha y los platillos se pueden colocar en todo el kit de batería, pero generalmente más a los lados. Los tambores panorámicos suenan mejor de manera realista y ayudan al oyente a visualizar mejor el kit de batería completo.

En la panorámica de batería, existe cierto debate sobre si se debe hacer una panorámica desde la perspectiva del baterista (sentado en el trono) o desde la perspectiva de la audiencia. Esto depende de ti, pero personalmente prefiero la perspectiva del baterista, con el hi-hat a la izquierda.

Los teclados, sintetizadores, cuerdas y pads se pueden colocar en cualquier parte del espectro estéreo. Preferiblemente donde no choque con otros sonidos.

Aquí hay algunos ejemplos de instrumentos y sonidos que puede desplazar 15 a la izquierda, 15 a la derecha o en cualquier lugar sobre el espectro estéreo:

  • Teclados
  • Instrumentos de cuerda
  • Sintetizadores
  • Cuerdas y violines
  • Pads
  • Platillos y percusión
  • Efectos

También puedes desplazar los canales de efecto para s los instrumentos / sonidos principales paneados de manera creativa alrededor del espectro estéreo para obtener un efecto genial. Delay y reverb por ejemplo.

Rellena la imagen estéreo y centra los instrumentos principales, las voces y el bombo / bajo / tarola. Si no has puesto atención detallada al panorama antes, te sorprenderás por los resultados y la diferencia que marcará en tu mezcla.

4. Usa la compresión de la manera correcta

¿Eres culpable de usar preajustes de compresor solo para engordar el sonido? ¿Realmente sabes lo que hacen todas las perillas? El uso de la configuración incorrecta del compresor realmente puede quitarle la vida a su sonido, trataré de guiarte por los conceptos básicos aquí.

Parámetros del compresor:

Threshold  (umbral)

El medidor de umbral marca el nivel en el que la compresión comienza a surtir efecto. Solo afecta la señal que excede el umbral establecido. Por ejemplo, si el umbral se establece en -5dB, solo se comprimirá la señal que exceda -5dB.

Ratio (Relación/Proporción)

La relación básicamente significa cuánta compresión se aplica. Se escribe más comúnmente como “1: 1”, “4: 1” y así sucesivamente. Si tomamos 4: 1, por ejemplo, esta configuración significa que la entrada de señal debe superar el umbral en 4dB para que tenga lugar un aumento del nivel de salida de 1dB.

Release (Libreación)

El tiempo de liberación (medido en milisegundos) significa cuánto tiempo tardará la compresión en detenerse después de que la señal descienda por debajo del umbral.

Attack (Ataque)

El ataque (medido en milisegundos) significa cuánto tiempo / rapidez tomará para que la señal se comprima después de exceder el umbral. Un tiempo de ataque más largo (digamos 100 ms), el sonido no se verá afectado por la compresión, 100 milisegundos después de que comience a reproducirse. Un tiempo de ataque más rápido hará que el sonido se comprima casi directamente.

Knee

Knee significa cómo reaccionará la señal cuando pase el umbral. Por lo general, hay dos configuraciones, una configuración de “Soft knee” y una configuración de “Hard knee”.

“Hard knee” sujeta la señal de inmediato.

 “Soft knee” es más gradual.

Aquí hay un gran ejemplo visual de la configuración de  “Soft knee” vs “Hard knee”

Makeup Gain

Cuando se aplica compresión, se baja la salida de la señal. Lo contrario de lo que piensa la mayoría de la gente. La ganancia de maquillaje (Makeup Gain) permite “compensar” la ganancia de salida perdida en el proceso de compresión.

Nota: a veces ve un botón de “maquillaje automático” en los compresores. Esto significa que la ganancia perdida en el proceso de compresión se agregará automáticamente. Luego puede controlar la salida general con el control deslizante de salida. Te recomiendo apagar esta función ya que muchas puede ser muy exagerado el proceso.

Output (Salida)

La salida básicamente significa la ganancia de salida de la señal, después de que se comprime.

¿Cuál es el objetivo de la compresión?

El objetivo de usar la compresión es controlar la dinámica de tus sonidos. La compresión puede aumentar las partes más silenciosas de su sonido y atenuar los picos. Su objetivo es encontrar un equilibrio donde retenga la dinámica de sus sonidos pero mantenga los picos y caídas de la señal bajo control. Para algunos sonidos, su objetivo podría ser hacerlo plano, pero esa es una decisión completamente estética, una que tendrías que tomar tu mismo.

Algunos consejos para la compresión:

No sobrecomprimas tu pista, o perderá la vida de la mezcla. Una buena mezcla necesita altibajos para sonar interesante. Hacer que todo suene plano es malo.

Ataque lento = más impacto: un ataque más lento es clave para mantener el “golpe” inicial de un sonido. Si configuras un ataque muy rápido, el compresor comenzará a funcionar inmediatamente comprimirá desde el principio. Usa una velocidad de ataque más lenta para la batería y otros sonidos donde quieras retener el ataque/punch. Solo asegúrate de que el ataque no sea demasiado lento o perderás el control del sonido.

Ten cuidado con la distorsión de “pumping” configurando el release sea demasiado rápido. Release demasiado rápido, el compresor se encenderá y apagará entre transientes que pueden causar distorsión y sonido entrecortado.

5. Profundidad (efectos, ecualizador)

Un factor muy importante en una buena mezcla es la profundidad. La profundidad significa que puede distinguir una sensación de espacio en tu pista, lo que significa que no suena plano. Hay algunas maneras de lograr esto, aquí hay algunos ejemplos:

Ecualizador y volumen

¿Sabías que puedes crear una sensación de espacio solo con un ecualizador y ajustes de volumen? Para explicarlo fácilmente, piensa en una voz humana desde muy lejos. Tres cosas serán notables con este sonido cuando lo escuches:

  • Falta de frecuencias bajas
  • La falta de frecuencias más altas.
  • El sonido será de menor volumen.

Para recrear el efecto de la distancia, su ecualizador podría verse así:

Aplicar un ecualizador con ajustes similares y bajar el volumen te dará la ilusión sónica de distancia. Agregar un poco de reverberación lo hará aún más realista. Si tienes un sonido brillante y completo que es directo, este contraste creará la ilusión de profundidad. Este contraste permitirá que el oído “compare” las diferencias en estos dos sonidos y los coloque en un espacio virtual.

Tip:

Un sonido que se escucha desde la distancia pierde su dinámica y suena más plano. Comprimir el sonido con fuerza con un ataque y release más rápidos hará maravillas para lograr la ilusión de la distancia.

Reverberación

Una reverberación sólida en tus sonidos es quizás el efecto más obvio para crear profundidad.

¿Qué es el reverb?

Antes de que un sonido llegue a tus oídos y sea procesado por tu cerebro, rebota en todo lo que está alrededor. Paredes, techos, pisos, objetos, lo que sea. Esta acción de rebote creará reflejos del sonido que se acumula y luego decae. Un efecto de reverberación crea un espacio virtual al imitar estos reflejos. Los reflejos pueden imitar una variedad infinita de espacios, desde un baño pequeño hasta una catedral gigante.

Algunos tips para agregar reverb

El objetivo generalmente es agregar reflexiones espaciales realistas a sus sonidos y hacer que todos trabajen juntos.

Menos es más: no exageres y no uses mucho reverb en cada sonido de la mezcla. Sonará difuso y embarrado. En cambio, agregua sólo un pequeño porcentaje de reverberación a la mayoría de los sonidos. No lo escucharás, pero se notará en la mezcla.

Pero experimenta: agregar reverberación loca a algunos sonidos puede ser muy efectivo. Dirige ese reverb a un bus para un control completo.

Agrupa tus reverbs: la mayoría de las veces se desea una reverberación similar para sonidos similares. Agrupa instrumentos similares y agrega reverb a todo, la batería, por ejemplo.

Utiliza espacios más pequeños y reverberaciones de espacios más grande; intenta mantenerlo de manera consistente y contrasta. No uses cien reverberaciones diferentes ya que esto sonará difuso/borroso/sucio. Sin embargo, usar 4-6 reverberaciones diferentes en una mezcla no es raro en absoluto.

Usa Reverbs por envío: tu señal original no se verá afectada por el efecto. Entonces tendrás control completo sobre la señal reverberada, con la que puedes encadenar, ecualizar y hacer lo que sea.

No lo enlodes: ten cuidado para que tus reverbs no se acumulen y causen que la mezcla se enlode. Use la reverberación sabiamente y vea el tip anterior para un mejor control de la reverberación.

Por favor, no reverberes tus frecuencias bajas:  no lo hagas. En general, es una mala idea, ya que los graves profundos generalmente no responden bien a la reverberación.

Delay

Un efecto delay también es uno de los efectos más comunes para crear profundidad.

¿Qué es el Delay?

Básicamente es una repetición de una señal, un eco. Esta señal repetida puede ser alterada de muchas maneras. Obviamente tienes el tiempo de retraso. Esto puede variar desde unos pocos milisegundos a segundos, o (más comúnmente) en figuras rítmicas como 1/16, 1/8, 1/4 y 1/2 etc, son tiempos de retraso comunes, y también se pueden configurar en tresillos. Esto simplemente significa que la señal se repetirá coincidiendo con el tempo de su pista, en el ritmo elegido.

Algunos consejos para agregar Delay.

Un delay funciona tanto como una herramienta rítmica como para crear profundidad.

Cambia las cosas (automatiza): automatizar delays puede tener un gran efecto en cómo se percibe tu mezcla. Agrega un nivel de imprevisibilidad a su pista y mantén al oyente interesado en todo momento. Esto se puede hacer automatizando el tiempo, dry / wet y el tiempo de retraso. La sutileza es primordial, pero los cambios importantes también pueden ser oro aquí.

Rellena los espacios vacíos en tu pista: el espacio es bueno, pero demasiado puede ser aburrido. 

Intenta llenar los espacios silenciosos de tu mezcla con delays.

Piensa en el tipo de delay que deseas: algunos son preferibles para sonidos particulares. Por ejemplo, una breve retraso (slap) puede hacer maravillas en voces y guitarras, pero quizás no en un pad. 

Si tu pista es muy espaciosa, el uso de un restaso largo y difuso en la voz o lead puede producir resultados muy interesantes.

Mezcla tus delays: no olvides que deben coincidir con el resto de la mezcla. Los filtros de paso alto y bajo funcionan de maravilla, pero a veces es necesario igualar los delays con un complemento separado. También puedes usar la compresión y el sidechain de los delays a otros sonidos para un groove y efecto especiales.

Resumen

Entonces, para recapitular. Para llevar tu mezcla de malo a bueno, debes:

Empieza a partir del proceso de organización. Pinta el espectro de frecuencia y asegúrate de que tu pista suene bien incluso sin mezclar primero.

Piensa  en términos de separar o superponer sus sonidos. Haz que los sonidos individuales sobresalgan de nuestra capa con otros sonidos.

Panea y desplaza los sonidos a través del campo estéreo para crear más separación.

Usa la compresión de la manera correcta. Los sonidos bien comprimidos harán que tu mezcla suene mejor, eso un hecho.

Profundidad. Usa efectos y ecualizadores para crear una sensación de profundidad en la mezcla. Utiliza los buses para tener un control total de tus efectos.

Todo buen mixer en el mundo tiene estos consejos en mente cuando trabaja, y ahora tú también. 

¡Ve y mejora tus mezclas!

Texto por: Javier de la Peza aka Plant. Músico, productor y multiinstrumentista. Actualmente forma parte de la reconocida agrupación tapatía de jazz Troker, es colaborador y docente en Knob Studio. Puedes conocer más sobre su trabajo y serguirlo en sus redes:

Fb: https://www.facebook.com/plantmusicofficial/

IG: https://www.instagram.com/plantmusicofficial/

Bandcamp: https://plantmusicofficial.bandcamp.com/

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