Produce música profesional de manera eficiente

Desarrollar sus habilidades de producción musical lo suficiente como para hacer que la música suene profesional requiere años de dedicación y trabajo duro. Pero hay formas efectivas de hacer este proceso mucho más rápido. Hay una curva de aprendizaje involucrada en hacer arreglos que enganchen a los oyentes, una selección de sonido interesante y una mezcla y masterización nítidas. Generalmente aprendes paso a paso descubriendo cosas mientras pasas tiempo en el estudio. Pero para acortar el proceso y poner tu aprendizaje en una vía rápida, lo mejor que puede hacer es hacer referencia a material profesional. Esta técnica puede ayudarte a evitar pasar años en el estudio, intentando descubrir todos los secretos por ti mismo.

En este artículo, describiremos los pasos que puedes seguir hoy para producir música profesional de forma más eficiente. Pero antes de comenzar, debes conocer los fundamentos de lo que hace que una pista suene profesional.

Las áreas clave que debes desarrollar

Hacer que tu música suene profesional se reduce a la aplicación de técnicas y habilidades avanzadas y creativas. Implica eliminar cosas que suenan mal, amplificar lo que suena bien, mientras se crean fuertes ganchos y melodías en arreglos emocionantes. El trabajo detallado también juega un papel importante en hacer que su pista suene profesional. Al detallar tu pista, añades capas, automatizaciones y sorpresas, funciona para aumentar el nivel de profesionalismo en tu pista. En comparación, los sonidos poco profundos, el trabajo con pocos efectos, las automatizaciones genéricas pueden hacer que su pista suene como una canción amateur y plana.

Para que tu música suene profesional debe desarrollarse en estas cinco áreas clave:

  1. Dominio del DAW
  2. Teoría musical
  3. Creatividad
  4. Mezcla y Mastering
  5. Acceso a buenos samples

Puedes pensar que esto es mucho que aprender. No voy a mentir, lo es. Sin embargo, la buena noticia es que puedes acortar drásticamente el tiempo que lleva desarrollar un sonido profesional. Solo necesitas las herramientas adecuadas.

Y recuerda lo que escribí anteriormente, hacer que tu música suene profesional se trata de aplicar técnicas y habilidades creativas avanzadas. Normalmente (y en la mayoría de los casos), aprenderías estas habilidades por tu cuenta después de muchas pruebas y errores, incluida una gran cantidad de búsquedas en Google.

Si tuviera que poner estas técnicas delante de ti, para que las copies y siga, ¿qué pasaría?

Receta a la música profesional

Como hornear un pastel y seguir la receta, si haces exactamente lo que hace un productor musical profesional, obtendrás una pista de sonido profesional.

Por lo tanto, la mejor manera de obtener un sonido profesional en tu música es aprender de los expertos. Usa las herramientas disponibles y estudia diligentemente. Luego puedes aplicar lo mismo en tu música con resultados fantásticos una vez que comprendas por qué y cuándo aplicar las técnicas.

Eso depende de ti. Puedes pasar años aprendiendo los recovecos de la producción musical. O bien, adopta el enfoque de seguir las técnicas de los profesionales, que luego puedes llevar aún más lejos.

¿Pero cuáles son algunas formas prácticas en que puedes aprender a hacer música profesional más rápido?

Usar plantillas

¿Qué es una plantilla? Imagina que quieres aprender a construir tus sintetizadores desde cero. Podría darte un plano avanzado y decirte: “Oye, sigue esto”. Sin embargo, es probable que sea difícil sin cierta experiencia en ciencias eléctricas.

Una forma mucho mejor es darte el sintetizador terminado que puedes inspeccionar, con todas las partes e instrucciones detalladas sobre cómo construir cada pieza.

¿Qué es una plantilla?

Una plantilla es un proyecto musical terminado de una pista profesionalmente arreglada, mezclada y masterizada que abre en el DAW. Te permite ver cómo los sintetizadores crean sonidos, cómo se ve el arreglo, uso de automatizaciones, cadenas de efectos más técnicas de mezcla y masterización. Verás precisamente cómo un productor experto hace las cosas y por qué.

Las plantillas son una herramienta fantástica para aprender de los mejores productores. Al instante te permite conocer secretos de producción que puedes copiar y traducir directamente en tu música. Secretos y trucos que llevan años de trabajo en estudio en solitario para descubrir.

Simplemente abre la plantilla, juega, sigue, copia y aprende. Simple como eso.

Aprende de los cursos

Si quieres aprender algo en la vida, ¿qué haces? Bueno, a veces, lo pruebas tú mismo y ves si puedes hacerlo. Pero lo mejor que puedes hacer cuando quieres aprender algo es tomar un curso.

Imagina que quieres aprender a tocar la guitarra. Lo más probable es que suene terrible si rasgueas las cuerdas y colocas los dedos al azar en el cuello de la guitarra,, y probablemente no te sientas tan bien con tu habilidad.

Pero si alguien le muestra exactamente dónde colocar los dedos para formar acordes, podrás tocar varios acordes en cuestión de horas. Estos acordes juntos podrían convertirse en canciones, que luego podrías cantar (si tu voz lo permite). Boom, eres un cantante y compositor.

Un curso te da una estructura terminada para seguir. El maestro te lleva del punto A al punto B con claridad, explicando todas las técnicas, consejos y trucos a medida que avanzas. Los excelentes cursos mejoran su capacidad de aprendizaje, con un esquema optimizado y persistencia para asegurarse de que comprende y puede aplicar todos los pasos clave.

Los cursos de producción musical no son diferentes. Tomar un curso es el mejor camino a seguir si desea aprender cómo producir música o cómo producir mejor música.

¿Por qué funciona el seguimiento de expertos?

Lo que tienen en común las plantillas y los cursos es que aprendes y sigues a productores de música expertos. Lo que los expertos han aprendido en los años que pasaron en el estudio (a menudo más de 10 años dedicados al estudio) está listo para tu uso.

Seguir a un experto productor musical funciona porque te da acceso instantáneo a los trucos del oficio, los secretos de la producción musical. La clave para que tus pistas suenen profesionales es también entender por qué haces ciertas cosas en el estudio.

Las plantillas te mostrarán esto al permitirte deconstruir cada parte de la pista, incluido cada sonido.

Los cursos también te mostrarán esto, incluyendo explicaciones detalladas de todos los pasos.

Una gran cosa acerca de los cursos de producción musical es que a menudo tienen plantillas de proyectos incluidas. Toda la pista profesional que creó el productor está allí contigo, mientras sigues el curso. Tener la plantilla te hace comprender cada decisión que ha tomado el productor y te permite jugar libremente con su creación.

En Knob Studio contamos con el Diplomado en Producción Musical el cual es impartido por profesores altamente capacitados para que te formes profesionalmente.

10 errores de producción musical a evitar

Se podría decir que no hay errores al producir música electrónica, siempre que suene bien. Sin embargo, al dar retroalimentación a otros productores y alumnos, me doy cuenta de las mismas cosas que no me gustan una y otra vez. Pensé en enumerar estos problemas en un artículo, para que se aseguren de no cometer estos “errores”. También voy a incluir técnicas para lidiar con estos problemas, lo que debería tener un gran impacto en el sonido de tus pistas. ¡Empecemos!

1. Sobreproducción

Diría que los errores más frecuentes que cometen los productores es producir sin una idea central sólida. Podría ser la armonía pegadiza o la batería increíble, el diseño de sonido excepcional o simplemente la vibra increíble de tu canción. Creo que deberías comenzar a hacer tu canción con un cierto enfoque que sea adecuado para el género que estás tratando de hacer. De lo contrario, terminarás apilando pistas y sobreproduciendo una idea débil.

Las mejores pistas a menudo están hechas de menos elementos de lo que piensas. De hecho, muy raramente hay más de 5 elementos centrales jugando a la vez en una pista. La estructura de pista más básica es un bombo, una tarola, un elemento de percusión, un bajo y un sonido principal. Sin embargo, con la posibilidad de agregar innumerables pistas nuevas en el DAW, puedes sentirte tentado a hacer demasiado.

Si sientes que tienes demasiadas pistas en tu proyecto, puede ser porque estás sobreproduciendo.

Me parece que el mejor enfoque es aprender a distinguir entre los diferentes elementos de la música electrónica y hacer tu música con un enfoque constante en estos elementos clave. De esta manera, incluso si vas a crear muchas pistas, podrás distinguir fácilmente el núcleo de lo que está sucediendo. Prefiero escuchar algunos elementos bien producidos que escuchar quince muestras de FX en un núcleo débil de la pista.

2. Perderse en las etapas avanzadas de producción.

¿Alguna vez has hecho algo genial, te has emocionado e intentado pulir esa idea, solo para descubrir que has estado usando un sintetizador en loop durante una hora? Es posible que hayas hecho que tu idea suene un poco mejor, pero aún está lejos de un arreglo de pista completo, y la emoción inicial se ha evaporado dejándote frustrado con una idea a medias.

Lo mismo ocurre con otros aspectos de la producción. Puedes perderte tratando de superponer samples, tratando de comprimir las percusiones o ajustando los niveles. Para evitar esta situación, mantén la calma cuando estés produciendo y no te entusiasmes con una buena idea. Cuando comiences una pista, concéntrese en cada elemento por un tiempo. Me parece que las mejores pistas se hacen como resultado de una serie de decisiones rápidas y buenas. Intenta limitarte también a movimientos rápidos solamente. Concéntrese en la pista como un todo, no intente hacer que cada movimiento sea súper preciso.

3. Quedarse atrapado en un loop

Todos hemos estado allí. Hiciste un loop genial, pero hay muy pocos elementos para una pista completa, y no tienes idea de en qué secciones debería consistir el arreglo. Hay dos cosas que puedes hacer.

Primero, debes conocer tu género. Esto significa que debe saber en qué secciones se compone una pista típica de su género y qué elementos se reproducen en cada una de ellas: recuerda, rara vez hay más de 5 a la vez. Para facilitar esto, puedes importar una pista de referencia en la disposición y mapear secciones usando marcadores de tiempo. En la mayoría de los géneros, copiar el orden de las secciones de otra pista no es pecado en absoluto. 

Ahora necesitas más elementos para completar tu estructura. Es posible que necesites o no tener una progresión de acordes diferente, según el género que estés creando. Si la pista de referencia no es una gran montaña rusa, incluso puedes hacer bien haciendo pequeñas variaciones de los elementos del loop inicial y extendiéndolos a lo largo del arreglo. Sin embargo, los géneros modernos frecuentemente presentan nuevos elementos en cada nueva sección.

4. El BPM

Este es demasiado simple para equivocarse. ¡Pero no es fácil! Al comenzar una pista, puedes comenzar desde un tempo ‘predeterminado’, es decir, 128 BPM. A medida que produces, debes ajustar el tempo, pero creo que la mayoría de las veces se olvida. Los oídos se adaptan al tempo bastante rápido, incluso si está apagado. Al final de hacer una pista, siempre debes verificar si un tempo más rápido o más lento no mejora la pista. Es posible que desees tomar un descanso de la pista solo para refrescar los oídos. Muchas veces encuentro que mi pista es demasiado lenta y necesito acelerarla un poco.

5. La tonalidad

No es tan fácil como parece limitarse a una tonalidad. Cuantas más samples tonales y loops uses, más difícil se volverá, ya que los loops vienen en varias escalas. Es más fácil si el centro tonal se incluye en el nombre del sample, pero ese no es siempre el caso. Para combatir este problema, utilizo con frecuencia el efecto de audio Tuner para averiguar qué nota están reproduciendo las muestras. Se vuelve más complicado cuando las muestras incluyen múltiples elementos. En ese caso, aíslo las frecuencias con EQ antes de verificarlo con el tuner, o simplemente confío en mis oídos.

Sin embargo, no siempre es necesario hacerlo. Si algunas muestras provienen de tonalidades muy distantes, pueden sonar más interesantes sin transposición. Puede llevar mucho tiempo hacer coincidir los centros tonales de los samples correctamente y  pueden sonar completamente diferentes cuando se lanzan.

Si tienes dificultades para mantener una tonalidad al escribir progresiones y melodías, ¡en Knob Studio tenemos el Diplomado en Composición para todos los niveles!

6. La armonía

Muy poca armonía y tu canción suena aburrida, demasiada armonía y es demasiado compleja. Es esencial saber cuánta armonía se necesita en cada género. Muy a menudo me encuentro con pistas, que tienen una disposición muy compleja, pero apenas hay elementos armónicos. Puede ser muy sutil y repetitivo, pero la armonía es necesaria para mantener al oyente interesado.

7. Diseño sonoro

Otra cosa que noto con frecuencia son los sintetizadores de sonido sordo. Esto se puede solucionar fácilmente utilizando OTT, EQ (aumentando los máximos) o la saturación. Ocurre especialmente cuando haces tus propios sintetizadores, los presets a menudo usan algún tipo de procesamiento y excitadores de armónicos. Un ejemplo clásico de sintetizadores que necesitan emoción son las futuras sierras de bajo. Estos monstruos generalmente usan capas de sintetizador armónico superior y OTT. Las pistas más brillantes también hacen que las pistas se perciban como más fuertes.

8. Estéreo

Todo el mundo sabe qué es el estéreo, pero usarlo correctamente no es de conocimiento común. Si bien la panorámica es bastante obvia, la mejora estéreo es un tema con muchos mitos flotando. La mayoría de los productores saben que el bajo debe mantenerse mono, pero incluso eso no es una regla general.

En primer lugar, se crea una imagen estéreo cuando hay una diferencia entre los canales izquierdo y derecho. Podría ser una diferencia en el tono (por ejemplo, cuando se usa unísono en un sintetizador) o en el tiempo (por ejemplo, cuando se usa delay o reverb). Las frecuencias más bajas la mayoría de las veces se mantienen mono, para que puedan reproducirse en subwoofers mono. Sin embargo, las frecuencias más altas pueden ser más amplias sin problemas. Algunos instrumentos pueden ser más anchos (pads, sintetizadores), mientras que otros pueden mantenerse en el centro (kicks, leads, voces)

Hacer algo mono es tan fácil como bajar la perilla estéreo en Utility. El ensanchamiento es más complicado, pero la técnica más fácil es usar el efecto Haas, que consiste en separar unos milisegundos la señal con un delay stereo.

9. Volumen y clipping

La guerra del volumen (loudness war)  ha terminado por algún tiempo, pero aún veo productores limitando sus pistas como locos. La mayoría de los servicios de transmisión simplemente bajan el nivel de estos masters todo volumen. Como resultado, estas pistas no suenan más fuerte que otras pistas y son menos dinámicas debido al limitador. Al masterizar, mantén el volumen con moderación.

10. No usar herramientas de monitoreo

Al masterizar, debes confiar principalmente en tus oídos, pero las herramientas de monitoreo pueden ayudarte enormemente. Los medidores de volumen permiten medir no solo los niveles máximos del master, sino que también  proporcionan un índice general de volumen. Los plugins de imagen estéreo permiten visualizar la imagen estéreo al compararla con las pistas de referencia. También puede resultar útil obtener una vista previa de su pista en formato MP3: Izotope Ozone le permite hacerlo utilizando la función de “códec”.

Texto por Javier de la Peza, productor y multiinstrumentista. Actualmente colaborador y profesor en Knob Studio. Conoce más sobre su trabajo en los siguientes links:

https://soundcloud.com/plantmx

https://plantmusicofficial.bandcamp.com/

plantmusicofficialj@gmail.com

Como abordar la producción musical desde cero

Por: Javier de la Peza

“…cada día más personas tienen la posibilidad de tener un estudio profesional en su computadora personal, de forma práctica y sencilla cualquiera puede plasmar sus ideas musicales y compartir con el mundo lo más sublime de su arte…”

Esta idea por más cautivadora y atractiva que parezca no es tan acertada; es cierto que cualquiera puede tener un programa muy poderoso en su PC o Mac, pero si el objetivo es hacer buena música hay que tener muy presente que estamos lidiando con una disciplina que es: Arte, Ciencia, Lenguaje e Historia; y si queremos hacerlo bien debemos darle su debida atención y cuidado a cada uno de estos aspectos, ya que si los pasamos por alto terminaremos perdiendo horas en el bucle (loop) de la desesperación, la frustración y la mediocridad.

El objetivo de esta serie de artículos es abordar y esclarecer conceptos y fundamentos musicales y de audio en las 4 ramas antes mencionadas, con el tiempo iremos construyendo conocimiento para abordar de forma gradual temas más complejos.

¿Cómo abordar la producción musical desde cero?

“Si deseas conocer los secretos del universo, piensa en términos de energía, frecuencia y vibración”

  • Nikola Tesla

La música al igual que cualquier arte está basada en una ciencia, en este caso la ciencia del sonido, estamos hablando de acústica, y por más intimidante que esto pueda sonar para algunos, no es necesario ser un experto en matemáticas ni en física para poder comprender los conceptos básicos que se necesitan para dominar las herramientas que utiliza un productor musical.

El primer paso es entender la naturaleza del sonido ya que de las propiedades de éste derivan las propiedades de la música; a mayor comprensión de estas propiedades, podremos tomar decisiones técnicas y estéticas más conscientes y acertadas.

¿Qué es el sonido? 

El sonido es un fenómeno físico de energía en movimiento vibratorio propagado en un medio elástico (ej. el aire), es captado por el oído que envía las señales al cerebro el cual interpreta 3 propiedades intrínsecas al sonido:

1.- Amplitud / Volumen / Intensidad

2.- Frecuencia / Tono / Altura

3.- Timbre 

1.- Amplitud / Volumen / Intensidad.- Es la cantidad de energía que contiene un sonido, es el número de moléculas que son puestas en movimiento al crearse las ondas de presión en el aire. En pocas palabras es la fuerza con la que percibimos el sonido, ya sea suave o fuerte, se mide en decibeles* (dB) (*decibeles es un tema a tratar con detenimiento en futuros artículos), la cual es una medida muy importante de comprender, ya que estaremos la manipulando constantemente al momento de producir.

Ej. Representación gráfica de la amplitud.

Mayor amplitud  

Menor amplitud

Ej. La amplitud crece gradualmente.

En la música esta propiedad controla el aspecto dinámico, los acentos en el ritmo y los matices, es un aspecto esencial para la expresividad del mensaje estético que queremos transmitir, en el lenguaje musical se utilizan símbolos e indicaciones para notas, frases y secciones enteras de una composición, en la música electrónica por ejemplo es muy efectiva la fórmula de enlazar dos secciones de una canción incrementando la amplitud de forma gradual en sonidos que desemboquen en una sección de mayor potencia como el “Drop”.

La amplitud es una propiedad que también tiene aplicaciones técnicas al momento de utilizar compresores, ecualizadores, distorsión y muchos otros dispositivos de procesamiento de señal de audio.

2.- Frecuencia / Tono / Altura .- Hace referencia a la cantidad de veces que vibra el aire que transmite ese sonido en un segundo. La unidad de medida de la frecuencia son los Hertz (Hz). A mayor frecuencia (mayor número de hertz) el sonido es más agudo, y a menor frecuencia (menor número de hertz) el sonido es más grave. 

El oído humano percibe un rango de frecuencias de 20Hz a 20,000Hz (ó 20 kiloHertz kHz), y se dividen en tres bandas de frecuencia principales: 

  • Grave – 20 a 320 Hz
  • Medio – 320 a 5,160 Hz
  • Agudo – 5,160 a 20,000 Hz

En la música ésta propiedad se expresa en términos de tono o altura, cada nota musical está afinada a una frecuencia en particular, diferentes instrumentos abarcan regiones específicas de frecuencia en el espectro auditivo. El tono puede ascender y descender generado así escalas musicales, melodías, acordes y el vasto y apasionante mundo de la armonía. Tanto un compositor,  un productor musical y un ingeniero de audio deben dominar el arte de distribuir de forma correcta la cantidad de información que hay en cada región de frecuencias para lograr un producto de calidad. En artículos posteriores hablaremos con detenimiento sobre los registros de altura en la música.

3.- Timbre.- Es la propiedad más subjetiva de las tres, a diferencia de la amplitud y la frecuencia el timbre no tiene unidad de medida, cada sonido contiene información de no sólo una frecuencia (tono puro), sino de varias frecuencias que ocurren al mismo tiempo, a estas frecuencias se les llama armónicos, los cuales definen el color de un sonido dependiendo su número y amplitud, los armónicos es otro tema que explicaremos en futuros artículos. Al referirnos al timbre nos expresamos en términos de la cualidad y textura de cada sonido en específico, por ejemplo un cello puede describirse como profundo y obscuro, las mismas bajas frecuencias generadas por un fagot se perciben como metálicas o hasta cómicas; en el caso de un sonido sintético puede percibirse como robótico, espacial o atmosférico.

Un clásico ejemplo para entender el timbre es tocar la misma nota musical con dos instrumentos distintos por ejemplo el piano y la guitarra, nuestro oído es capaz de identificar cual es cada uno sin ningún problema. Podemos decir que cada instrumento es un timbre distinto y que la música en parte es la combinación de diferentes timbres ordenados en el tiempo.

En el acto creador de música utilizando software ya sea Ableton Live, Logic pro, Cubase, Pro Tools, FL studio, etc; nos encontramos en uso de estos conceptos todo el tiempo y esa es razón suficiente para exhortar a todos los lectores a explorar por su cuenta estos temas, youtube y wikipedia son buenos puntos de inicio para empaparse de diferentes fuentes abordando el mismo tema, aquí les dejo algunos enlaces que utilizamos como material de consulta.

5 consejos para una mejor mezcla

¿Estás listo para hacer mezclas increíbles?

Comenzaremos por aclarar la definición de mezcla:

“La mezcla de audio es el proceso mediante el cual se combinan múltiples sonidos en uno o más canales. En el proceso, el nivel de volumen de una fuente, el contenido de frecuencia, la dinámica y la posición panorámica se manipulan o mejoran. Además, efectos como la reverberación y el eco pueden se agrega. Este tratamiento práctico, estético o creativo se realiza para producir una versión final que sea atractiva para los oyentes “.

Mezclar es combinar varios sonidos en una sola fuente. Una buena mezcla es hacer esto y obtener un resultado equilibrado. Tanto en términos de volumen como de rango de frecuencia, de una manera que suena bien para el oyente (sin frecuencias de picos fuertes y resonantes, un bajo limpio y pesado, por ejemplo). Entra con lo bueno y sale con lo malo.

Mezclar puede ser complicado al comenzar pero, ¡no te desanimes!

Todos sabemos lo difícil que puede ser hacer que una mezcla suene bien y equilibrada, especialmente al principio. El bombo y bajo suenan demasiado delgados, la tarola suena cuadrada y la guitarra queda muy filosa y le quita espacio al pad de sintetizador que hiciste. Tu mezcla también puede sonar muy bidimensional y plana, con poco o ningún contraste en el espectro de frecuencia.

Quizás te preguntes si tu música va a sonar tan profesional como el artista que has estado escuchando. Sí se puede y sonará profesional si no te rindes. Conocer los fundamentos del sonido aplicados a  la mezcla y de forma musical es un gran comienzo.

Aprender a mezclar a nivel profesional lleva mucho tiempo, pero aquí hemos compilado una lista de los cinco mejores consejos para llevar tu mezcla de malo a bueno si los sigues. Esta lista también sirve como una hoja de ruta para la mezcla, que siempre será aplicable en tu producción musical y carrera de mezcla.

1. El proceso de mezcla comienza en el arreglo

Esto es muy importante, y algo que debo decir ante todo. Cada sonido que elijas para tu pista contiene sus frecuencias individuales. Esto puede ser obvio, pero en el proceso de producción y mezcla de música, es crucial pensar en un nivel más profundo. Cuando elegimos diferentes sonidos para nuestra pista, lo hacemos la mayor parte del tiempo por sus características de frecuencia, ya sea que lo sepamos o no.

Pintar el lienzo de frecuencia

Por ejemplo, elegimos un bombo porque contiene un golpe en las frecuencias más bajas, un clap de rango medio y Hi hat para el espectro más alto. Un bajo para ayudar al bombo en las frecuencias bajas o secundarias, una guitarra para medios y así sucesivamente.

En la imagen de abajo, verás el espectrograma de un sonido de sintetizador. Todas estas frecuencias, que van desde 20-20kHz  (algunas más que otras), juegan un papel vital en el equilibrio de tu mezcla.

Al crear melodías y acordes, una cosa importante para recordar es que las notas y octavas de su sonido cambiarán la respuesta de frecuencia del sonido.

Por ejemplo, un sonido de bajo reproducido en una octava muy alta tendrá poca o ninguna información de baja frecuencia. Donde pones las notas de tus sonidos importa en términos de mezcla, y el objetivo es hacer que suene equilibrado incluso antes de comenzar el proceso de mezcla.

¡Esta es la razón por la que te frustras!

No importa cuántos ajustes hagas en el ecualizador, compresor y trucos con el paneo, la mezcla todavía suena mal y no comprendes por qué. Crees que te has perdido algo o te falta algún plugin costoso.

Ese no suele ser el caso. Por lo general, has elegido los instrumentos / sonidos, melodías y acordes incorrectos e intentas obligarlos a cooperar con las técnicas de mezcla. Si tu arreglo suena mal sin ningún ecualizador / efecto activado, no sonará mucho mejor con él activado.

Entonces, hazlo bien desde el principio.

Cuando mezclas considera los siguientes puntos:

  • Piensa en ti mismo como un pintor de frecuencias.
  • Elige y distribuye cuidadosamente tus sonidos de manera uniforme en todo el espectro de frecuencias.
  • Muchos sonidos en el mismo rango de frecuencia harán que la mezcla suene mal y confusa.
  • Piensa en términos de “equilibrio” y separa o empalma sonidos según sea necesario.
  • No pulir un sonido chatarra, haz que suene increíble antes de mezclar.

2. Piensa en términos de “separación” o “layering”

Cuando trabajas con una gran variedad de sonidos en tu mezcla, quieres separarlos o ponerlos en capas.

Capas (layering):

La técnica que hacen muchos productores cuando crean bombo es un ejemplo fácil. Crean o samplean información de sub / baja frecuencia de una fuente, medios de otra y agudos de otra. Cuando ahora combina estos tres, tiene un rango de frecuencia distribuido uniformemente que forma un sonido. Un bombo / Kick.

Otro ejemplo es usar una parte de frecuencia más baja de un pad. Combinado con otro sonido que tiene información de frecuencia más alta y sin graves, trabajando juntos para crear un sonido completamente nuevo.

Las capas se utilizan para crear más complejidad y obtener un mejor control de la información de frecuencia en cada parte del sonido. También puedes crear contrastes divertidos en tu mezcla trabajando así. Si tienes teclados muy bajos y pesados ​​que se atascan constantemente en el fondo, un teclado o sonido diferente de octava más alta puede complementar esto maravillosamente y agregar contraste.

Cómo crear capas:

  • Highpass y lowpass filtran diferentes sonidos y los combinan.
  • Combina diferentes timbres con sonidos de distinto espectro sonoro.
  • Usa sonidos en diferentes octavas que contienen información de frecuencia diferente

Separación

La separación significa hacer que su sonido (o su capa de sonido) sobresalga del resto de los sonidos en una mezcla.

Cómo crear separación:

Por ejemplo, puedes tener un Pad detrás del instrumento principal, digamos una guitarra.

Supongamos que ambos están colocados de alguna manera en el centro y que tienen frecuencias similares. Para la separación, necesitas cortar las frecuencias que la guitarra principal domina desde el pad. De esa manera, la guitarra puede respirar por sí misma y se destacará del Pad.

Entonces, cuando haces música y cuando mezclas, piensa en los sonidos que quieres superponer y los sonidos que deseas separar del resto. Esto hará que sea mucho más fácil crear una mezcla bien definida.

3. Paneo

El Paneo también es una herramienta muy importante para crear separación y definición en la mezcla. Si todos tus sonidos se colocan en el punto central, la mezcla sonará muy plana y bidimensional. Espaciar los sonidos en el espectro estéreo es la clave para las mezclas de sonido profesional.

Centrado

En términos generales, los sonidos / instrumentos que desempeñarán un papel principal en su pista se colocan en el centro para un enfoque máximo. El bajo, el bombo y una tarola casi siempre se colocan en el punto central por la misma razón. Los sonidos pesados ​​de baja frecuencia brindan la mayor potencia colocada en el centro y es por eso que no se recomienda desplazar un bajo a los lados. La excepción a esta regla sería para una pista experimental.

Estos instrumentos / sonidos generalmente se colocan en el centro de la mezcla:

Bombo

Bajo

Tarola

Voz / sonido principal

La imagen estéreo es la diferencia entre izquierda y derecha, y medio y lateral. Puedescrearlo, por ejemplo, desplazando capas de instrumentos.

Ancho (dos canales)

Tomando dos tomas separadas de la misma guitarra rítmica, a la izquierda y a la derecha, obtendrás un sonido estéreo muy amplio. Esta técnica también se puede usar duplicando dos muestras / sonidos idénticos y separar uno de ellos solo un par de milisegundos (efecto Haas).

Para instrumentos de sonido similares que tocan de manera diferente, el panorama completo puede ser negativo y sonar un poco desenfocado. Panea en un 80-90% a la izquierda y a la derecha en lugar de realizar una panorámica completa, para una mejor mezcla.

Estos instrumentos / sonidos generalmente se colocan ampliamente en la mezcla:

  • Instrumentos rítmicos
  • Teclados rítmicos
  • Percusión enfocada en alta frecuencia, como shakers, panderos, cencerros
  • Voces de fondo para un efecto de tipo coro

15 izquierda o 15 derecha (y otra)

Siéntete libre de experimentar aquí, todo el espectro panorámico de izquierda a derecha es tuyo para colocar instrumentos. Recuerda, lo que estás tratando de lograr es un equilibrio. No debes colocar todos sus sonidos en el centro y hacia la izquierda, sin nada en el lado derecho para equilibrarlo. La panorámica en mono también es una gran ayuda para decidir dónde se debe colocar un sonido. No escucharás la panorámica estéreo en vivo en mono, pero escucharás mejor los problemas y los sonidos de choque. Realmente recomiendo esto.

Con los tambores, la forma típica de paneo es cuando se coloca un conjunto de batería. En una configuración de batería normal, el hi hat está situado a la izquierda y el Ride a la derecha. Los toms van de izquierda a derecha y los platillos se pueden colocar en todo el kit de batería, pero generalmente más a los lados. Los tambores panorámicos suenan mejor de manera realista y ayudan al oyente a visualizar mejor el kit de batería completo.

En la panorámica de batería, existe cierto debate sobre si se debe hacer una panorámica desde la perspectiva del baterista (sentado en el trono) o desde la perspectiva de la audiencia. Esto depende de ti, pero personalmente prefiero la perspectiva del baterista, con el hi-hat a la izquierda.

Los teclados, sintetizadores, cuerdas y pads se pueden colocar en cualquier parte del espectro estéreo. Preferiblemente donde no choque con otros sonidos.

Aquí hay algunos ejemplos de instrumentos y sonidos que puede desplazar 15 a la izquierda, 15 a la derecha o en cualquier lugar sobre el espectro estéreo:

  • Teclados
  • Instrumentos de cuerda
  • Sintetizadores
  • Cuerdas y violines
  • Pads
  • Platillos y percusión
  • Efectos

También puedes desplazar los canales de efecto para s los instrumentos / sonidos principales paneados de manera creativa alrededor del espectro estéreo para obtener un efecto genial. Delay y reverb por ejemplo.

Rellena la imagen estéreo y centra los instrumentos principales, las voces y el bombo / bajo / tarola. Si no has puesto atención detallada al panorama antes, te sorprenderás por los resultados y la diferencia que marcará en tu mezcla.

4. Usa la compresión de la manera correcta

¿Eres culpable de usar preajustes de compresor solo para engordar el sonido? ¿Realmente sabes lo que hacen todas las perillas? El uso de la configuración incorrecta del compresor realmente puede quitarle la vida a su sonido, trataré de guiarte por los conceptos básicos aquí.

Parámetros del compresor:

Threshold  (umbral)

El medidor de umbral marca el nivel en el que la compresión comienza a surtir efecto. Solo afecta la señal que excede el umbral establecido. Por ejemplo, si el umbral se establece en -5dB, solo se comprimirá la señal que exceda -5dB.

Ratio (Relación/Proporción)

La relación básicamente significa cuánta compresión se aplica. Se escribe más comúnmente como “1: 1”, “4: 1” y así sucesivamente. Si tomamos 4: 1, por ejemplo, esta configuración significa que la entrada de señal debe superar el umbral en 4dB para que tenga lugar un aumento del nivel de salida de 1dB.

Release (Libreación)

El tiempo de liberación (medido en milisegundos) significa cuánto tiempo tardará la compresión en detenerse después de que la señal descienda por debajo del umbral.

Attack (Ataque)

El ataque (medido en milisegundos) significa cuánto tiempo / rapidez tomará para que la señal se comprima después de exceder el umbral. Un tiempo de ataque más largo (digamos 100 ms), el sonido no se verá afectado por la compresión, 100 milisegundos después de que comience a reproducirse. Un tiempo de ataque más rápido hará que el sonido se comprima casi directamente.

Knee

Knee significa cómo reaccionará la señal cuando pase el umbral. Por lo general, hay dos configuraciones, una configuración de “Soft knee” y una configuración de “Hard knee”.

“Hard knee” sujeta la señal de inmediato.

 “Soft knee” es más gradual.

Aquí hay un gran ejemplo visual de la configuración de  “Soft knee” vs “Hard knee”

Makeup Gain

Cuando se aplica compresión, se baja la salida de la señal. Lo contrario de lo que piensa la mayoría de la gente. La ganancia de maquillaje (Makeup Gain) permite “compensar” la ganancia de salida perdida en el proceso de compresión.

Nota: a veces ve un botón de “maquillaje automático” en los compresores. Esto significa que la ganancia perdida en el proceso de compresión se agregará automáticamente. Luego puede controlar la salida general con el control deslizante de salida. Te recomiendo apagar esta función ya que muchas puede ser muy exagerado el proceso.

Output (Salida)

La salida básicamente significa la ganancia de salida de la señal, después de que se comprime.

¿Cuál es el objetivo de la compresión?

El objetivo de usar la compresión es controlar la dinámica de tus sonidos. La compresión puede aumentar las partes más silenciosas de su sonido y atenuar los picos. Su objetivo es encontrar un equilibrio donde retenga la dinámica de sus sonidos pero mantenga los picos y caídas de la señal bajo control. Para algunos sonidos, su objetivo podría ser hacerlo plano, pero esa es una decisión completamente estética, una que tendrías que tomar tu mismo.

Algunos consejos para la compresión:

No sobrecomprimas tu pista, o perderá la vida de la mezcla. Una buena mezcla necesita altibajos para sonar interesante. Hacer que todo suene plano es malo.

Ataque lento = más impacto: un ataque más lento es clave para mantener el “golpe” inicial de un sonido. Si configuras un ataque muy rápido, el compresor comenzará a funcionar inmediatamente comprimirá desde el principio. Usa una velocidad de ataque más lenta para la batería y otros sonidos donde quieras retener el ataque/punch. Solo asegúrate de que el ataque no sea demasiado lento o perderás el control del sonido.

Ten cuidado con la distorsión de “pumping” configurando el release sea demasiado rápido. Release demasiado rápido, el compresor se encenderá y apagará entre transientes que pueden causar distorsión y sonido entrecortado.

5. Profundidad (efectos, ecualizador)

Un factor muy importante en una buena mezcla es la profundidad. La profundidad significa que puede distinguir una sensación de espacio en tu pista, lo que significa que no suena plano. Hay algunas maneras de lograr esto, aquí hay algunos ejemplos:

Ecualizador y volumen

¿Sabías que puedes crear una sensación de espacio solo con un ecualizador y ajustes de volumen? Para explicarlo fácilmente, piensa en una voz humana desde muy lejos. Tres cosas serán notables con este sonido cuando lo escuches:

  • Falta de frecuencias bajas
  • La falta de frecuencias más altas.
  • El sonido será de menor volumen.

Para recrear el efecto de la distancia, su ecualizador podría verse así:

Aplicar un ecualizador con ajustes similares y bajar el volumen te dará la ilusión sónica de distancia. Agregar un poco de reverberación lo hará aún más realista. Si tienes un sonido brillante y completo que es directo, este contraste creará la ilusión de profundidad. Este contraste permitirá que el oído “compare” las diferencias en estos dos sonidos y los coloque en un espacio virtual.

Tip:

Un sonido que se escucha desde la distancia pierde su dinámica y suena más plano. Comprimir el sonido con fuerza con un ataque y release más rápidos hará maravillas para lograr la ilusión de la distancia.

Reverberación

Una reverberación sólida en tus sonidos es quizás el efecto más obvio para crear profundidad.

¿Qué es el reverb?

Antes de que un sonido llegue a tus oídos y sea procesado por tu cerebro, rebota en todo lo que está alrededor. Paredes, techos, pisos, objetos, lo que sea. Esta acción de rebote creará reflejos del sonido que se acumula y luego decae. Un efecto de reverberación crea un espacio virtual al imitar estos reflejos. Los reflejos pueden imitar una variedad infinita de espacios, desde un baño pequeño hasta una catedral gigante.

Algunos tips para agregar reverb

El objetivo generalmente es agregar reflexiones espaciales realistas a sus sonidos y hacer que todos trabajen juntos.

Menos es más: no exageres y no uses mucho reverb en cada sonido de la mezcla. Sonará difuso y embarrado. En cambio, agregua sólo un pequeño porcentaje de reverberación a la mayoría de los sonidos. No lo escucharás, pero se notará en la mezcla.

Pero experimenta: agregar reverberación loca a algunos sonidos puede ser muy efectivo. Dirige ese reverb a un bus para un control completo.

Agrupa tus reverbs: la mayoría de las veces se desea una reverberación similar para sonidos similares. Agrupa instrumentos similares y agrega reverb a todo, la batería, por ejemplo.

Utiliza espacios más pequeños y reverberaciones de espacios más grande; intenta mantenerlo de manera consistente y contrasta. No uses cien reverberaciones diferentes ya que esto sonará difuso/borroso/sucio. Sin embargo, usar 4-6 reverberaciones diferentes en una mezcla no es raro en absoluto.

Usa Reverbs por envío: tu señal original no se verá afectada por el efecto. Entonces tendrás control completo sobre la señal reverberada, con la que puedes encadenar, ecualizar y hacer lo que sea.

No lo enlodes: ten cuidado para que tus reverbs no se acumulen y causen que la mezcla se enlode. Use la reverberación sabiamente y vea el tip anterior para un mejor control de la reverberación.

Por favor, no reverberes tus frecuencias bajas:  no lo hagas. En general, es una mala idea, ya que los graves profundos generalmente no responden bien a la reverberación.

Delay

Un efecto delay también es uno de los efectos más comunes para crear profundidad.

¿Qué es el Delay?

Básicamente es una repetición de una señal, un eco. Esta señal repetida puede ser alterada de muchas maneras. Obviamente tienes el tiempo de retraso. Esto puede variar desde unos pocos milisegundos a segundos, o (más comúnmente) en figuras rítmicas como 1/16, 1/8, 1/4 y 1/2 etc, son tiempos de retraso comunes, y también se pueden configurar en tresillos. Esto simplemente significa que la señal se repetirá coincidiendo con el tempo de su pista, en el ritmo elegido.

Algunos consejos para agregar Delay.

Un delay funciona tanto como una herramienta rítmica como para crear profundidad.

Cambia las cosas (automatiza): automatizar delays puede tener un gran efecto en cómo se percibe tu mezcla. Agrega un nivel de imprevisibilidad a su pista y mantén al oyente interesado en todo momento. Esto se puede hacer automatizando el tiempo, dry / wet y el tiempo de retraso. La sutileza es primordial, pero los cambios importantes también pueden ser oro aquí.

Rellena los espacios vacíos en tu pista: el espacio es bueno, pero demasiado puede ser aburrido. 

Intenta llenar los espacios silenciosos de tu mezcla con delays.

Piensa en el tipo de delay que deseas: algunos son preferibles para sonidos particulares. Por ejemplo, una breve retraso (slap) puede hacer maravillas en voces y guitarras, pero quizás no en un pad. 

Si tu pista es muy espaciosa, el uso de un restaso largo y difuso en la voz o lead puede producir resultados muy interesantes.

Mezcla tus delays: no olvides que deben coincidir con el resto de la mezcla. Los filtros de paso alto y bajo funcionan de maravilla, pero a veces es necesario igualar los delays con un complemento separado. También puedes usar la compresión y el sidechain de los delays a otros sonidos para un groove y efecto especiales.

Resumen

Entonces, para recapitular. Para llevar tu mezcla de malo a bueno, debes:

Empieza a partir del proceso de organización. Pinta el espectro de frecuencia y asegúrate de que tu pista suene bien incluso sin mezclar primero.

Piensa  en términos de separar o superponer sus sonidos. Haz que los sonidos individuales sobresalgan de nuestra capa con otros sonidos.

Panea y desplaza los sonidos a través del campo estéreo para crear más separación.

Usa la compresión de la manera correcta. Los sonidos bien comprimidos harán que tu mezcla suene mejor, eso un hecho.

Profundidad. Usa efectos y ecualizadores para crear una sensación de profundidad en la mezcla. Utiliza los buses para tener un control total de tus efectos.

Todo buen mixer en el mundo tiene estos consejos en mente cuando trabaja, y ahora tú también. 

¡Ve y mejora tus mezclas!

Texto por: Javier de la Peza aka Plant. Músico, productor y multiinstrumentista. Actualmente forma parte de la reconocida agrupación tapatía de jazz Troker, es colaborador y docente en Knob Studio. Puedes conocer más sobre su trabajo y serguirlo en sus redes:

Fb: https://www.facebook.com/plantmusicofficial/

IG: https://www.instagram.com/plantmusicofficial/

Bandcamp: https://plantmusicofficial.bandcamp.com/

¡Conoce la actualización mas importante de Logic Pro X hasta el día de hoy!

Las novedosas y creativas herramientas para la composición de música electrónica hacen que Logic Pro X 10.5 sea una innovación sin precedentes para músicos y productores.

Logic Pro X en los ultimos años se ha posicionado en la industria musical como una de las plataformas mas estables y recomendadas por grandes productores como es el caso de “Finneas O’Connell”, productor de Billie Eilish y ganador de varios premios Grammy.

Live Loops

Con Live Loops en la Mac, los usuarios de Logic ahora pueden componer de una forma más libre y no lineal. Permite organizar loops, samples y grabaciones en una nueva tablatura musical, donde los músicos pueden interpretar sus canciones espontáneamente y capturar diferentes ideas de arreglos en la línea de tiempo. Desde aquí, podrás ajustar aún más tus pistas con todas las funcionalidades de producción musical profesional que ofrece Logic.Remix FX refuerza todo el poder de Live Loops gracias a una asombrosa colección de efectos electrónicos, como Bitcrusher, Filter, GateR y Repeater, que puedes aplicar en tiempo real sobre pistas individuales o sobre toda tu mezcla musical. Ambas funcionalidades se potencian cuando las utilizas con la app gratuita Logic Remote, que permite a los usuarios enlazar su iPhone o iPad con la Mac para controlar Live Loops y Remix FX a través del Multi-Touch.

Sampler y Quick Sampler

Sampler representa la próxima generación del popular plug-in EXS24 estándar de la industria, con un diseño moderno totalmente renovado y más controles de ajuste de sonido, además de ser compatible con todas las versiones anteriores. Los productores aprovechan Sampler para crear y editar sofisticados instrumentos multisampleados, con elegantes procesos de arrastrar y soltar que te permiten automatizar las más complejas tareas de producción.

Quick Sampler es una manera rápida y simple de transformar cualquier sonido individual en un instrumento listo para tocar. Los músicos pueden elegir un sonido desde Logic, el Finder y Notas de Voz, o incluso grabar directamente en Quick Sampler. Con sólo unos clics, podrás recortar, crear loops y reproducir un sample importado a través de un controlador desde tu teclado, además de tener acceso a controles creativos para modelar el sonido.

Composición musical

Logic Pro X 10.5 ofrece una colección de novedosas herramientas creativas diseñadas para que, de manera rápida y sencilla, puedas crear ritmos originales, una parte esencial del hip hop y la música electrónica.

Step Sequencer: es un nuevo editor en Logic diseñado para que programar ritmos de batería, líneas de bajo y partes melódicas sea fácil y divertido, gracias a una interfaz inspirada en flujos de una caja de ritmos clásica. Step Sequencer combina un estilo de creación de música basado en patrones con potentes opciones de edición, que te permitirán elaborar partes originales, y encontrarás controles detallados de velocidad de notas, repetición, puerta, omisión, dirección de la reproducción y aleatorización.

Ademas de estos cambios importantes Logic Pro X mejoro su rendimiento para que puedas trabajar con más Plug-Ins y pistas simultáneamente.

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